Curators:
Dimitris Papaioannou & Zafos Xagoraris
Cay Sophie Rabinowitz
Diana Baldon

Artistic Directors:
XYZ

Exhibition Design:
Andreas Angelidakis
Chus Martínez
Nadja Argyropoulou
Christopher Marinos

Studies by exhibition designer Andreas Angelidakis for the 2nd Athens Biennale 2009
(work in progress)

The 2nd Athens Biennale 2009 will take place from June 15th to October 4th 2009. The exhibitions and events of the biennale will unfold along the coastline of Palaio Faliro, at a short distance from the city centre, the public beach called “Eden”, in various buildings and public spaces.

The 2nd Athens Biennale 2009 Heaven is designed as a multi-faceted contemporary art event, comprising of several exhibitions, actions, music and theatre performances, film screenings, symposia, etc, with the participation of more than 100 international artists.

Artistic directors XYZ, who curated the 1st Athens Biennale 2007 Destroy Athens, have invited an eclectic group of curators to contemplate the subject of Heaven. Heaven as a wide topic touches upon notions such as lost innocence, nature and ecology, utopias and ideal communities. From this premise, a creative dialogue begins, which will reflect upon the theme itself as well as the methodology surrounding large-scale periodical exhibitions. The diverse approaches of the 2nd Athens Biennale 2009 team of curators will retain their autonomy, while interconnecting creatively and claiming a narrative cohesion which will be further reflected in the exhibition design, by architect and artist Andreas Angelidakis. The multiple visual art and performative interventions in the public spaces will be curated by Dimitris Papaioannouand Zafos Xagoraris. Exhibitions, installations, public interventions, screening programmes, and symposia, will be curated by Nadja Argyropoulou, Diana Baldon, Christopher Marinos, Chus Martínez, and Cay Sophie Rabinowitz.

The 2nd Athens Biennale 2009 Preview Days are June 13th & 14th 2009.

Athens Biennale
8 Acharnon Str. 10432 Athens
T: +30 210 5232.222, F: +30 210 5232.202
E: contact@athensbiennial.org
URL: http://www.athensbiennial.org

The artist Ragnar Kjartansson has been chosen to exhibit on Iceland’s behalf at the 53rd Biennale in Venice 2009. Born in 1976, he is the youngest artist ever chosen to represent the country in this important international venue.
With Ragnar Kjartansson, the Icelandic pavilion in Venice in 2009 will feature a young artist who has in a remarkably short time built an impressive roster of international exhibitions and an engaging individual style that stands out even in today’s crowded global art world. He is a worthy representative of the vibrant young art scene in Iceland, a cutting-edge contemporary artist with strong roots in cultural tradition and a keen eye for the tragicomic spectacle of human experience.
The choice of an Icelandic artist for the Biennale is in the hands of a committee that this time included Christian Schoen, Director of the Center for Icelandic Art, Hafthór Yngvason, Director of the Reykjavík Art Museum, and the artist Rúrí who herself exhibited in Venice on Iceland’s behalf in 2003. Two further consultants were brought in to assist in the deliberations: Halldór Björn Runólfsson, Director of the National Gallery of Iceland, and Kristján Steingrímur Jónsson, Head of Visual Arts at the Icelandic Academy of Art. Christian Schoen is the commissioner for Iceland’s pavilion in Venice and the project is overseen by the Center for Icelandic Art, which in turn is funded by the Ministry of Education, Science and Culture.

Commissioner: Christian Schoen
Commissioning Institution: CIA.IS – Center for Icelandic Art
Official website: www.cia.is/venice
Artist website: www.ragnarkjartansson.com
Download the complete press release: www.cia.is/info/pdf/2009.pdf
CIA.IS - Center for Icelandic Art
Kynningarmiðstöð íslenskrar myndlistar
Hafnarstræti 16
IS-101 Reykjavík
T: ++354-562-72 62
F: ++354-562-66 56
info@cia.is

Sotto la direzione artistica di Silvia Evangelisti, Arte Fiera Art First 2009 si presenta con alcune importanti novità come il nuovo allestimento dal taglio museale su unico livello, con l’aggiunta del padiglione 15 di recente costruzione, e il nuovo format di incontri in Fiera che prevede una serie di incontri, che si svolgeranno durante i quattro giorni della manifestazione, dedicati agli aspetti e sviluppi del collezionismo d’arte nelle sue diverse forme pubbliche e private, con interventi di collezionisti e rappresentanti delle più importanti istituzioni, italiane e internazionali.

Sempre più rafforzata la collaborazione con la città di Bologna che vedrà crescere la già ricca proposta degli eventi collaterali con la 4a edizione di Bologna Art First - installazioni e opere di artisti rappresentati dalle gallerie che espongono in Fiera in suggestivi luoghi del centro storico della città - la 3a edizione di Arte Fiera OFF il ‘contenitore’ di tutti gli eventi collaterali che si svolgeranno in diverse locations a Bologna e in Emilia Romagna, e Art White Night sabato 24 gennaio.

Per aggiornamenti visitate il sito www.artefiera.bolognafiere.it

PRESS OFFICE
ARTE FIERA ART FIRST
Silvia Macchetto
Tel. +39 334 6931534
artepress@bolognafiere.it

PRESS OFFICE BOLOGNAFIERE
Isabella Bonvicini
Tel. +39 051 282261
isabella.bonvicini@bolognafiere.it

Il non-concorso prende spunto dal modo di viaggiare dell’arcivescovo di Canterbury, Sigerico, che attorno al 990 si recò a Roma per ricevere dal Pontefice il pallio, simbolo della dignità arcivescovile. Nel suo diario di viaggio sono annotate le 80 tappe di quella che sarebbe diventata la Via Francigena.

Totalmente gestito sul web il “non concorso” segue alcune regole inderogabili: le opere inviate dovranno essere dei “corti” (2000 caratteri), ovvero dei racconti brevi di prosa o prosa poetica: concentrati letterari di esperienza ed emozione di viaggio a piedi, in bicicletta oppure a cavallo.
Tutte le opere inviate, purché rispettino il Regolamento, saranno pubblicate nel sito, in ordine cronologico di data e ora di invio senza alcuna valutazione di merito.

Viaggiare con bisaccia e penna è un non-concorso letterario al quale si partecipa gratuitamente: agli autori necessita un indirizzo di posta elettronica, una postazione internet ed il desiderio di raccontare.

Viaggiare con bisaccia & penna è un non-concorso letterario rivolto a scrittrici e scrittori di tutte le età che si misurino in un “viaggio” comune e corale. Tutte le opere inviate, purché rispettose del regolamento, saranno pubblicate sul sito www.sigerico.it. Le opere che saranno ritenute dalla Giuria più attinenti al tema proposto saranno pubblicate nel volume, anch’esso corale, “Viaggiare con bisaccia e penna” edito da LietoColle Editore.

Le opere dovranno essere inviate entro il termine ultimo del 15 gennaio 2009.

In certi casi, paradossalmente, accade perfino di cadere nell’errore di sottolineare una rassicurante uguaglianza anziché l’imprevedibile diversità. Siamo uguali o diversi? Non possiamo essere entrambi.

Il progetto è in sintonia con chi pensa che siamo tutti diversi perchè non c’è modo più potente, significativo e rivoluzionario per fare intercultura, cioè per sottolineare l’importanza delle differenze e della ricchezza insita nella propria unicità, che mostrare la diversità di coloro che spesso si ritengono uguali (piuttosto che elogiare l’uguaglianza dei cosiddetti diversi…), di far vedere quanto essi siano interessanti da ascoltare quando raccontano loro stessi e quanto tutto ciò sia meraviglioso se hanno il coraggio di mescolarsi tra loro.

Il laboratorio interculturale di narrazione teatrale è oggi alla ricerca di storie vere.
Se avete vissuto come protagonisti o semplici osservatori qualcosa che ritenete debba essere assolutamente raccontato, descrivete il fatto in questione in un massimo di dieci cartelle e inviate il tutto, con i vostri recapiti, all’indirizzo: lab_interculturale@tiscali.it
Le storie scelte saranno portate in scena dagli attori del laboratorio in occasione della III Edizione della Rassegna di narrazione “Il dono della diversità” (Giugno 2009).
Termine ultimo: 20 dicembre 2008

Informazioni: www.narrazioneinterculturale.org

Il manifesto: lab_interculturale@tiscali.it

OPENING/ SABATO 20 DICEMBRE 2007 h.19.00
la mostra resterà aperta sino al  10 gennaio 2009
dal martedì al sabato dalle  h.17.00  alle  h.20.00

LA FURIA DEL MONDO
Il mondo visibile è mutevole. Inafferrabile nei suoi movimenti ora sinuosi ora epilettici, nelle sue sfumature, nei suoi contorni. Ecco perché Cosimo Piediscalzi, portatore sano del virus postmoderno, rinuncia a parlare del mondo che vede ma non a decifrare il mondo che sente. Lo sguardo infatti tradisce, mentre la sensibilità coglie sfumature al di là delle apparenze e può domare (o esaltare) la furia del mondo.

In verità quando pochi anni fa Piediscalzi ha ripreso in mano colori, matite (e colla, e pennarelli a spirito, trucioli, smalti, acrilici, pastelli e chissà quante altre brico/diavolerie) ha tentato la via politica della denuncia e dell’ironia. L’abilità compositiva messa al servizio dell’anima bella e indignata si muove inizialmente nel campo della caricatura,  le derive grottesche e fumettistiche neutralizzate dall’equilibrio dinamico dei colori, raptus immediato dello sguardo. Ma i lavori esposti oggi a Palermo seguono un’ispirazione diversa, più matura e raffinata. Disegno e colore come sempre solidali, ma ora le textures cromatiche sono limitate ad alcuni dettagli delle composizioni ed assumono forza espressiva inedita, mentre prima erano perlopiù motivi ornamentali e decorativi. Ad esempio nei due Autoritratti a letto il colore riempie di vita coperte e lenzuola ma non i volti delle figure.  I tessuti e le stoffe si muovono come se fossero animati, fioriscono e vegetano come in simbiosi con il Piediscalzi ritratto, proteggendolo dal grigio mondo esterno che rischia di contaminare la poetica dell’artista. Egli trova allora rifugio nei cappucci delle felpe che modulano la verve misantropica dell’artista, come se fosse ormai possibile erigere barricate e contestare i modelli sociali solo dalla dimensione intima e privata del proprio abbigliamento, anzi dal nodo decisivo del proprio letto. Un giaciglio che è l’ultima barriera tra il fuori e il dentro, che evoca la malattia e la convalescenza, la sofferenza accennata nelle espressioni dei volti. Piediscalzi eccelle infatti nella ritrattistica, nel sacro lampo degli sguardi che annichiliscono lo spettatore perché carichi di mistico e sovrumano distacco, nella sontuosità bizantina delle barbe arricciate e dei capelli. Ritratti e autoritratti sembrano dedicati ad una casta sacerdotale prossima alla santità, come nell’ex voto dedicato a Leeza Hooper o anche quando gli occhi di Peppino si sottraggono allo spettatore in una sorta di martirio della sensibilità.

L’ironica e sconclusionata hybris mediterranea di Piediscalzi ha subito un duro colpo quando l’artista si è trasferito dalla natia Sicilia, giungendo nel freddo nord padano e assorbendo un mood riflessivo, ombroso, quasi mitteleuropeo. Un’espressionismo minimo, dunque, ulteriormente lim(it)ato nell’Autoritratto asociale con cappuccio: la distanza fra lo sfondo e la figura è massima, perché l’isolamento dell’artista è privo di colore, mentre il caos cromatico alle sue spalle minaccia di invaderne l’intimità. L’Autoritratto (pronto per uscire) invece mostra l’assurdità proliferante della moda, con un maglione geneticamente modificato e biomorfo che prende il sopravvento sull’uomo, lo avvolge in spasmi grotteschi, lo deforma nelle anatomie. Il confine fra dentro e fuori è sempre più sottile, soprattutto quando si tratta di uscire di casa, di esporsi al caos irrazionale della società. Piediscalzi si barrica dentro queste armature di stoffa (che siano sciarpe, maglioni, berretti o cappucci) per salvaguardare i confini del proprio corpo e della propria sensibilità. Ma anche questo è un vicolo cieco: nell’Autoritratto Anseren la trama della maglia sembra proliferare come un virus visto al microscopio, come cellule (t)umorali impazzite che hanno assorbito la malattia dal mondo inquinato. L’unico modo allora di affrontare la dimensione dell’altro da sé è armarsi di una grossa mazza chiodata, anche quando l’esterno appare come una rassicurante distesa di giallo/sole.

I am not like you, continua a ripetere Piediscalzi, segnando la distanza fra l’eccezione artistica e la quotidianità banale. Eppure proprio la quotidianità emerge con forza e serenità nella recente serie di nature morte. I contrasti sono finalmente smorzati da una sensibilità inedita che coglie l’oggetto nella sua neutralità assoluta. Il demone forse non è nell’assurdità del mondo ma nello sguardo aspro dell’artista che, domato ma non sconfitto, coglie la poesia nella normalità estrema eppure metafisica di una tazzina di caffé. Gli oggetti non spaventano più, semmai affascinano nella loro imperturbabile, astratta indifferenza. Non è un caso quindi se i colori non sono più psico-acidi ma delicatamente velati e allo stesso tempo materici. Proprio la materia, l’enigma della semplice Cosa di fronte allo sguardo permette lo sviluppo di una nuova sensibilità, leggera e compiuta ma mai pacificata. Perché il mondo, al di là della pura rappresentazione, è un eterno guanto di sfida. Un guanto magmatico e colorato, oppure pallido e misterioso, proprio come lo disegnerebbe Cosimo Piediscalzi.

OUT-let è una mostra - asta, vista come strumento ironico che allude al particolare momento di trasformazione economica che stiamo attraversando, e che propone di stimolare un generale ripensamento dei valori delle opere e dei prezzi ad essi relativi.

Per tutta la durata della mostra sarà possibile effettuare offerte alle opere esposte, e in galleria e su un sito aperto appositamente per l’occasione, tramite il sistema del bidding-on-line. Le opere esposte saranno aggiudicate al termine della mostra.

Per maggiori informazioni, si prega visitare il sito:
www.outlet-thestudio.com

Contattare la galleria:
tel. 02 89695586, oppure info@glendacinquegrana.com

Glenda Cinquegrana
The Studio
via F.Sforza, 49
I- 20122 Milano
+39 02 89695586

La mostra del II Premio di Fotografia Italiana
si inaugurerà lunedì 15 dicembre 2008, dalle 18.30.

Questa seconda edizione del Premio Fotografia Italiana ha visto la partecipazione di quasi trecento autori che si sono proposti come interpreti di una dimensione estetica che vede la fotografia come espressione di un’arte contemporanea. La giuria ha svolto un lungo e attento lavoro per una selezione non facile che ha portato a individuare dieci autori che rappresentano diversi aspetti fra i tanti con cui oggi la fotografia si presenta.

Ne sono prova i tre vincitori: Roberto Marossi, con la personalissima ricerca sulla figura umana e la sua composizione che coglie gli echi provenienti dalla pittura e dal cinema riprendendone le tipologie, Nicola Cioni, con la sua indagine sul ritratto realizzata usando come soggetti i volti di minuscoli soldatini inaspettatamente molto espressivi e Roberto Toja che indaga con un ricercato bianconero in interni abbandonati carichi di un fascino sottile.

Anche i sette autori segnalati mettono in evidenza la loro forte personalità. Emanuela Bartolotti induce il visitatore ad estrarre da una scatola in plexiglas le fotografie che rappresentano gli elementi di una fiaba che ognuno può comporre, Elena Bozza ricostruisce per induzione la storia di una famiglia attraverso le tracce da questa lasciate in una casa abbandonata, Michele Buda lavora, invece, sulla purezza delle forme con una immagine in bianconero di minimalismo geometrico.
Simone Schiesari costruisce un mondo in miniatura dove tuttavia tutto, dalle scenografie ai soldatini utilizzati, assume i connotati di una realtà quasi cinematografica mentre Claudio Gobbi sottolinea, nelle sue immagini scattate in interni, la bellezza e l’equilibrio delle forme architettoniche. Camilla Micheli e Monica Tarocco hanno, infine, lavorato sul tema della figura nel suo rapporto con lo spazio: la prima usando il colore per ambientare i suoi soggetti in ambienti dove l’aspetto del travestimento gioca un ruolo importante, la seconda facendo ricorso al bianconero per sottolineare il richiamo alla memoria e al passato.

L’accostamento fra forme espressive, ricerche estetiche e scelte tematiche diverse fra di loro è l’elemento di fondo di questa mostra: sarà il visitatore che – aggirandosi negli spazi della galleria accuratamente allestiti per dare a tutti gli autori uguale risalto – potrà dipanare il suo personale filo di Arianna per creare un ideale collegamento che costituisce la chiave di lettura dell’operazione che la galleria Fotografia Italiana Arte Contemporanea vuole proporre.

La mostra, a cura di Roberto Mutti, si potrà visitare fino al 14 gennaio 2009, dal martedì al sabato, dalle 15.00 alle 19.00. Lunedì e festivi chiuso. Durante il periodo delle festività natalizie è comunque consigliabile verificare i giorni e gli orari d’apertura telefonando allo: 02 784100.

Disponibile in galleria un catalogo con testo introduttivo di Roberto Mutti. Tutte le opere esposte in mostra sono pubblicate a colori.

Per informazioni e richiesta di materiale per la stampa:

Sara Zolla
Ufficio Stampa

Fotografia Italiana arte contemporanea
Corso Venezia, 22
20121 Milano
tel. 02 784100
fax 02 77809369
press@fotografiaitaliana.com
www.fotografiaitaliana.com

NOLI ME TANGERE studio in divenire di Gabriella Riccio e Paolo Rudelli andà in scena domenica 14 dicembre al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli (via Montecalvario 16)

Gabriella Riccio appassionata outsider della creatività coreografica crea questa partitura su un vuoto temporale e ritmico che produce un effetto di distanza voluta, richiesta, irrinunciabile. Quelal che spinge e costringe alla creazione.

si parte da un gap
tempo che separa
spazio incolmabile tra gli esseri umani
distanza / discrepanza spazio-temporale
una distanza delle fasi dell’essere
il tempo-distanza momentaneo
un lasso
vuoto
interruzione
che tende a
che lascia intendere un
continuum
noli me tangere
non toccarmi
non trattenermi
Cristo trasfigurato che pronuncia alla Maddalena
impazienza / urgenza
lacerante anche talvolta
come nell’atto creativo / performativo
non trattenermi da ciò che “devo” compiere adesso
perché è etico che l’arte sia
e forse anche “scandalosa” è l’urgenza di questa etica
dello scoprire
del mostrare
mostrarsi esposti
andareverso
un’azione rrinunciabile
ma anchetabù
del contatto
del lasciarsi penetrare
del lasciare infrangere e corrompere la nostra sfera di individui
la tendenza a non volere mutare di stato
rinunciare all’Io
andare oltre
in quanto la rinuncia alla “corruzione” è sterile
atto non fertile
il monito diventa quindi lacerante
mementoa seguire una via della trasfigurazione
di un contatto con l’impalpabile conoscenza di sè
del proprio dovere di compiersi.

NOLI ME TANGERE
progetto coreografia e danza Gabriella Riccio e Paolo Rudelli
produzione caosmos / cia gabriellariccio

in collaborazione con collectif Lick The Toad

Interverranno

• Paolo COLAROSSI – Prof. Ordinario di Tecnica e Pianificazione Urbanistica – Direttore del D.A.U. di Architettura e Urbanistica per l’Ingegneria), “Sapienza” Università di Roma – Urbanista
• Pietro BARCELLONA – Prof. Ordinario di Filosofia del Diritto – Saggista
• Alberto ZANAZZO – Artista e architetto

Un libro che nasce già nelle intenzioni degli autori come un oggetto ibrido ed interessante già nelle sue premesse a cui si aggiunge la peculiarità e il valore degli artisti coinvolti nonché l’originalità dei contributi su un tema vagliato trasversalmente e sondato da un serie di punti di vista che si apre a trecentosessantagradi legando vari contesti disciplinari dalla sociologia all’urbanistica, le nuove tecnologie, l’estetica, l’arte visiva e l’architettura. L’abitare e il suo spazio emblematico per eccellenza, ovvero la casa, escono dal loro specifico ambito di riferimento e assumono la risonanza di una metafora dai significati complessi e cangianti che riflette le valenze della vita dei nostri giorni, nel senso più ampio del termine. “Translating rooms” disegnando un percorso particolare all’interno del concetto dell’abitare nelle sue varie declinazioni pone l’accento sulle varie morfologie funzionali, etiche ed estetiche, rappresenta il luogo reale e potenziale, topologico e spaziale in cui radicarsi temporaneamente, la soglia su cui sostare adeguandosi alla sua consistenza fluida e in costante slittamento nella prospettiva dilatata di una logica dichiarata dell’interdisciplinarietà che apre porte duchampiane, interfacce tra pubblico e privato di una casa come dispositivo relazionale con il relativo riscatto di un quotidiano e dei suoi silenziosi testimoni sottratti ai loro stereotipi, per una nuova cultura progettuale che vada oltre i luoghi comuni nella praticabilità dei luoghi possibili. Una casa del futuro intesa come microcosmo conoscitivo ed emotivo tra atopia e luogo, all’interno di un contesto urbano sempre più auspicabilmente teso ad una qualità della vita legata alla salvaguardia dell’ambiente, nella rinverdita capacità dell’arte, dell’architettura e dell’urbanistica di dare senso al territorio che abitano, determinandone l’identità.
Contributi di
Alberto Abruzzese • Paolo Colarossi • Bruno Di Marino • Marcello Pecchioli • Massimo Pelliccioni • Gabriele Perretta • Luigi Prestinenza Puglisi

Nelle migliori librerie
Formato cm 17 x 24; 320 pagine, riccamente illustrato a colori e in bianco/nero
Gangemi Editore
piazza San Pantaleo n°4 - 00186 Roma - Italia (rec. tel. 06.6872774 (9 linee r.a.) - Fax 06.68806189)

Manoscritti, tessuti, codici manoscritti, oreficerie, sculture, affreschi e tavole preziose, provenienti da importanti musei, tra cui il Museo del Bargello di Firenze, il Museo delle Arti decorative di Lione, la Biblioteca Nazionale di Praga e il Correr di Venezia, illustreranno i molteplici influssi dell’arte europea in questo lembo d’Italia vicino al mondo tedesco ma anche sensibile ai modelli bizantini che si diffondevano lungo tutto l’Adriatico. Un apporto determinante verrà anche dalle istituzioni museali e dalle biblioteche di tutta la regione che contribuiranno con prestiti delle opere più significative; dal celeberrimo Busto reliquiario di San Donato del Tesoro del Duomo di Cividale, alla croce dei principi del Tesoro della Cattedrale di Gorizia nonché varie opere che mostreranno la grande penetrazione della cultura gotica nella vita quotidiana.

La mostra sarà inoltre un’occasione per tracciare una mappa del ricco patrimonio artistico regionale legato appunto alla cultura tardo – gotica che tocca una serie di località, città (Gemona, Venzone, Cividale, Pordenone, Spilimbergo, San Vito al Tagliamento), chiese e monasteri, custodi di tesori di inestimabile valore artistico e storico. Il visitatore sarà stimolato a intraprendere un ideale pellegrinaggio contemporaneo in una regione che era attraversata dai percorsi dei devoti diretti sia verso la Terrasanta, sia verso Roma la capitale della cristianità, come testimoniano i numerosi centri di ospitalità gestiti da ordini monastico – cavallereschi. Analogo intendimento anche per i luoghi del gotico all’interno della città di Udine definita urbs picta da Marin Sanudo nella sua cinquecentesca Descrizione della Patria del Friuli. Tra le opere più significative l’Arca lapidea del Beato Bertrando del Museo di Duomo di Udine, gli affreschi della ex Confraternita dei Battuti (ora uffici anagrafe del Comune), della chiesa di S. Antonio Abate, e la statua di S. Eufemia del Museo Arcivescovile.

La scelta di allestire l’esposizione nella chiesa di San Francesco intende ribadire il ruolo dell’ordine francescano nei mutamenti non solo spirituali, ma anche culturali della regione con l’introduzione dei canoni architettonici caratteristici dell’ordine, connotati dalla pianta a croce latina con unica navata, e la centralità della chiesa nella vita della città di Udine.

Dove
Ex Chiesa di San Francesco, Largo Ospedale Vecchio, Udine
Orari
Da martedì a venerdì 10.00 - 13.00 / 14.00-18.00
sabato e domenica 10.00 - 19.00
lunedì chiuso
Biglietto
Intero                € 8.50
Ridotto              € 5,00
Scuole               €3,00

Per informazioni
Comune di Udine
Dipartimento Politiche sociali educative e culturali
Civici Musei e Gallerie di Storia e Arte
Tel. 0432 / 271591
civici.musei@comune.udine.it
www.comune.udine.it

Ufficio Stampa
SPAINI & PARTNERS T. 050 36660 / 36985
Guido Spaini guido.spaini@spaini.it
Matilde Meucci 349 2381566 matilde.meucci@spaini.it
Francesca Pardossi 347 4956581 ufficiostampa@spaini.it

a cura di Barbara Martusciello, testo di Luca Barberini Boffi
Inaugurazione: giovedì 11 Dicembre, ore 19
Termine della mostra: sabato 3 Gennaio 2009

31 dicembre Speciale Capodanno in Galleria:
dalle 22.00 in poi musica live | DJ set a cura di u-mix.org

Photo: “ecce homo”, 2008 di Andrew Rutt
———————————————————–

Esposizione opere di:
Anonima di-chi-sì-lu-son, CAST, Tullio Brunone, Vincenzo Ceccato, Daniela Cignini/Mario Matto, Francesco Correggia, G.P. Mutoid, Gruppo Sinestetico, Lello Lopez, Caterina Matricardi, Franco Rinaldi, Nello Teodori.

Proiezioni video di:
Hervé Constant ‘The Inquisition’ based on a short story by Dino Buzzati.
Andrew Rutt ‘ecce uomo’. Video Loop, 2008.

La mostra si propone di presentare le opere di diversi artisti contemporanei che operano in un territorio nel quale l’espressione estetica è condizionata, in vario modo e misura, dai molteplici linguaggi visivi. La contaminazione che ne deriva è da loro espressa attraverso l’uso delle tecniche più varie: pittura, scultura, ma anche fotografia, video, e ausilio di nuove tecnologie…

Proprio uno degli aspetti che emerge, in questa selezione di artisti, è il diffuso utilizzo di tecniche digitali (digital art) che fanno parte dei “nuovi media”. Questi vengono adottati sia autonomamente, sia, spesso, interagenti con altri linguaggi.

Va anche sottolineato che le tecniche “tradizionali” come la pittura e la scultura, non sono restate indenni dai cambiamenti epocali che le innovazioni tecnico-tecnologiche diffuse hanno portato nella società contemporanea; infatti, hanno spesso e quasi tutte subito una qualche metamorfosi; nei casi migliori, ne sono uscite profondamente influenzate da questi nuovi linguaggi tecnologici (cinema, televisione, video, Internet e mondo complesso della Rete) che hanno innescato nuove interessanti combinazioni. Tutto ciò ha comportato nuove sintesi espressive che, se da un lato possono creare un certo disorientamento nel pubblico cosiddetto comune, dall’altro, attraverso il moltiplicarsi di connessioni, ampliano le possibilità espressive dei media artistici che riflettono la complessità del mondo contemporaneo.

Una mostra, quella allo Studio.ra |1Fmediaproject, che si pone come riflessione su questi dati e indica le scelte di artisti che operano con linguaggi differenti, mostrando un’autenticità  singolare nel modo di pensare il contemporaneo e di interpretare la nozione di contaminazione.

Luca Barberini Boffi

SCHEDA MOSTRA

Galleria studio.ra |1Fmediaproject
Via Bartolomeo Platina, 1/F - 00179 Roma
Tel. 06 41437800  - 3491597571; www.studiora.eu info@studiora.eu

ORARI: da lunedì a domenica - dalle 10 alle 13 e dalle 17 alle 20,30.

PER ARRIVARE
Dalla Stazione Termini: Metro Linea A (direzione Anagnina), stop Furio Camillo.
Dal Centro: Metro Linea A (direzione Anagnina); bus 665 - 628 - 87.
Parcheggio libero per auto nei pressi della Galleria (Zona Appio Latino).
Dall’aeroporto di Fiumicino
Prendere la linea FR1 (Fara Sabina - Montelibretti) per 5 fermate FR1 ogni 15 min.
fino alla fermata MONSELICE/STAZIONE TUSCOLANA.
Prendere la linea 665 (PORTA S. GIOVANNI (MA)) per 6 fermate 665 ogni 30 min.
Scendere alla fermata PLATINA, direttamente davanti alla Galleria.



T R A N S I T I O N S

Curated by Barbara Martusciello, text by Luca Barberini Boffi
Gallery studio.ra | 1Fmediaproject

Private View:  Thursday 11 December, 7pm
Open to the public 12 December through 3 January 2009

31 December: New Years eve special event in the Gallery:
from 22:00 till very late: Live music | DJ set by u-mix.org

Photo: “ecce uomo”, 2008 by Andrew Rutt

Works selected for the exhibition by:
Anonima di-chi-sì-lu-son, CAST, Tullio Brunone, Vincenzo Ceccato, Daniela Cignini/Mario Matto, Francesco Correggia, G.P. Mutoid, Gruppo Sinestetico, Lello Lopez, Caterina Matricardi, Franco Rinaldi, Nello Teodori.

Video projections by:
Hervé Constant ‘The Inquisition‘ based on a short story by Dino Buzzati.
Andrew Rutt ‘ecce homo’. Video loop, 2008.

The exhibition presents the works of contemporary artists who work in a territory where aesthetic expression is conditioned, in various ways and measures, by a manifold range of visual language. The contamination that results is expressed through the use of various media: painting, sculpture, photography, video, and the use of new technology…

One on the aspects that emerges in this selection of artists is the widespread use of digital technologies (digital art), which is part of ‘new media’, and which is utilized autonomously, or as is often the case, integrated with other forms of expression.

It must also be highlighted that ‘traditional’ media like painting and sculpture, has not remained immune from widespread innovation in technique-technological changes that have occurred in contemporary society. In fact, they have often undergone a metamorphosis, and in the best examples, have produced something that is profoundly influenced by these new technological languages (cinema, television, video, internet and the complex world of the web) that have sparked new and interesting combinations.  All this has brought about a new expressive synthesis which, on one hand can create certain disorientation for the art-going public, on the other hand through the multiplicity of its connections, has increased the expressive possibility of the media artistically, and so reflect upon the complexity of the contemporary world.

This exhibition at Studio.ra |1Fmediaproject, is a reflection on this situation and was the criteria for the selection of the artists in the exhibition, who work with different languages, showing an authentic and unique way to consider ‘the contemporary’ and interpret the notion of contamination.

Luca Barberini Boffi

EXHIBITION DETAILS

Galleria studio.ra |1Fmediaproject
Via Bartolomeo Platina, 1/F - 00179 Roma
Tel. 06 41437800  - 3491597571; www.studiora.eu info@studiora.eu

OPENING HOURS: Monday to the Sunday.  10-13 & 17-20.30.

GETTING THERE
From ‘Termini’ station: take metro line A in the direction of ‘Anagnina’, to the ‘Furio Camillo‘ stop.
From the centre: take metro line A in the direction of ‘Anagnina’ and bus 665 – 628 - 87.
Ample Free parking in the neighbourhood of the gallery (Zona Appio Latino).

From Fiumicino airport
Take Line No. FR1 (Fara Sabina-Montelibretti) for 5 stops (the trains run every 15 mins) and  get off at Tuscolana Station, then go to stop MONSELICE/STAZIONE TUSCOLANA and take Line No 665 (PORTA S. GIOVANNI (MA) for 6 stops (the trains run every 30 mins).  Get off at PLATINA stop which is directly in front of the studio.ra|1Fmediaproject Gallery.

TULLIO BRUNONE “Ancora Celine” foto, specchio, ferro, cm 44×44	CAST “Architetture pubblicitarie”, 2003 plotter painting su tela su tela, cm 67,5×39
VINCENZO CECCATO “Dissolvenza”, 2006 Plotter painting su tela e plexiglass, cm 100×70	DANIELA CIGNINI/MARIO MATTO “Ritagliare”, 2001 stampa a getto d’inchiostro su carta, cm 23,5×42
HERVE CONSTANT “The Inquisitio”based on a short story by Dino Buzzati	FRANCESCO CORREGGIA “Conceptus spatii”, 2007 proiezione video e pittura ad olio su tela, m 1,80×2,60
G.P. MUTOID “Après_Duchamp”, 2001 Tecnica mista con libro originale, cm 36×45	GRUPPO SINESTETICO “Anche le parole uccidono”, 2006 Kit in plexiglas con foto+Video su supporto CD (opera n°4/5), cm 30×20x2cm
LELLO LOPEZ “My love”, 2008 foto su plexiglas, cm30×40 1/3	CATERINA MATRICARDI “…penzoloni (calore)”, 2008 elaborazione fotografica digitale su alluminio, cm 30×30
FRANCO RINALDI “Le curve della vita”, 2008 Legno e smalto, elemento componibile, cm 60×60/cad.	ANDREW RUTT “voices”, 2007 Plexiglass and electronic componentry
NELLO TEODORI “Giallo Perugino”, 2008 Foto digitale su DIBOND, cm 15×23 e cm 80×120	ANONIMA DI-CHI-SI-LU-SON, Tsunami ogni giorno, 2007 plotter painting su tela su tela, cm 70 x 50

10-14 Dicembre 2008
Nuovo Cinema Aquila, Via L’Aquila 68
Ambasciata di Francia, Palazzo Farnese, Piazza Farnese

Il 10 dicembre inaugura la prima edizione di Italian Experimental Cinema - una mostra di cinema d’artista italiano dalla protostoria del Futurismo fino ai nostri giorni che si terrà dal 10 al 14 dicembre presso il Nuovo Cinema Aquila. Questa mostra antologica sul cosiddetto “Cinema d’artista” e più in generale su quello indipendente include proiezioni cinematografiche, opere grafiche, fotografiche ed installazioni multimediali e si terrà presso gli spazi del Nuovo Cinema Aquila.

mercoledì 10, h. 18.00
inaugurazione mostra al Nuovo Cinema Aquila con opere di:
Michele Böhm, Luca Buvoli, Filippo Chia, Costantino Ciervo,
Pietro D’Agostino, Nato Frascà, Arcangelo Mazzoleni,
Studio Di Monte Olimpino: Munari-Piccardo, Adel Oberto, Luca Maria Patella, Nino Pezzella, Loic Sturani, Paolo W. Tamburella e Zimmerfrei.
h. 21.30 - ENOMISSOSAB & Andy Rivieni si esibiranno in una fantasmagoria per voce e corpo al Nuovo Cinema Aquila

giovedì 11, h. 21.30 - Giovanni Martedì metterà filmicamente a “fuoco” la facciata di Palazzo Farnese, sede dell’Ambasciata di Francia, con un’improvvisazione di expanded-cinema.
Italian Experimental Cinema  ripercorre la storia del cinema d’artista e/o sperimentale, partendo dalle origini del cinema, quando le potenzialità del dispositivo di ripresa e di proiezione cominciavano ad essere indagate, fino a spalancare la porta alla contemporaneità. Gli oltre 40 artisti e cineasti coinvolti sono qui chiamati in causa in virtù della loro entrata nella nuova era digitale attraverso il riciclo di materiale in pellicola, la costruzione di apparecchiature stenopeiche Super-8, l’uso di cineprese Super8, 16mm, 35mm, videocamere digitali, personal computer, applicazioni di editing scanning e rendering. Questa infinita serie di dispositivi ha consentito agli artisti di produrre immagini e di rinnovare il linguaggio audiovisivo di un cinema in cui le tecniche utilizzate per la realizzazione dei film non erano e non sono indifferenti al contenuto degli stessi.

Il progetto Italian Experimental Cinema sarà accompagnato da un catalogo critico e informativo con contributi di differenti autori.
La manifestazione è realizzata con il sostegno del Comune di Roma – Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione e con il patrocinio e il sostegno dell’Ambasciata di Francia in Italia.

Ingresso singolo programma 5 euro
Info:
www.complusevents.com
info@complusevents.com
333 735 89 83  - 331 215 67 76

PROGRAMMA

12-14 Dicembre
NUOVO CINEMA AQUILA

Venerdì 12 Dicembre
h. 17.30 – CIONI CARPI: TRA ETICA E TECNICHE
Durata: 70 min.
h. 18.50 – L’EMOZIONE ASTRATTA
L.VERONESI/G.MARTEDI’/GIOVANNA PUGGIONI/CRUDELITY STOFFE/A.ABBADO
Durata: 90 min.
Partecipano Michele Böhm (Crudelity Stiffe) e Giovanni Martedì
h. 20.45 – L’AVANGUARDIA CINEMATOGRAFICA FUTURISTA:
ORIGINI E DIRAMAZIONI
DANZA SERPENTINA/M.FABRE/N.OXILIA/T.CORDERO-G.MARTINA-P.ORIANI/
L.VERONESI
Durata: 85min.
h. 22.30 – LUCA BUVOLI: LE ORIGINI DISCUSSE, CONSIDERAZIONI
SULL’AVANGUARDIA FUTURISTA
Durata 101 min.
L’artista sarà presente alle proiezioni

Sabato 13 Dicembre
h. 16.00 – LA FORMA VISIBILE DELL’IDEA
M.OBERTO/G.BARUCHELLO-A.GRIFI/L.M.PATELLA/A.BOETTI/M.OBERTO/
S.PACUS/ZIMMERFREI/C.ZANNI
Durata: 115 min.
Partecipano Martino e Adel Oberto e Zimmerfrei
h. 18.00 – Lo Studio di Monte Olimpino:
BRUNO MUNARI e MARCELLO PICCARDO
Durata: 90 min.
Presentazione a cura di Andrea Piccardo e Antonio Capaccio
h. 20.00 – GIANCARLO ROMANI ADAMI e VALERIO ADAMI
“VACANZE NEL DESERTO”
Durata: 88 min. (versione in italiano e francese)
h. 21.30 – RESISTENZA ANTROPOLOGICA
GRUPPO 70/S.PACUS/N. PEZZELLA/MARICO’ VALENTE/A.ZAPPALORTO/
C.CIERVO/A. RUNFOLA
Durata: 120 min.
Partecipano Nino Pezzella, Paolo W. Tamburella e Ampelio Zappalorto
h. 23.30 – PIERO GOLIA “KILLER SHRIMPS”
Durata: 80 min. (versione in inglese)

Domenica 14 Dicembre
h. 11.00  PAOLO W. TAMBURELLA “THE FOOTBALL HUNTERS” 23 min.
in collaborazione con l’Associazione Sportiva Culturale Pigneto Team.
h. 16.30 – LABIRINTI SIMBOLISTI
M.OBERTO/T.CASULA/L.BUVOLI/A.RUNFOLA/CARLO ZANNI/L.STURANI/
P.W.TAMBURELLA
Durata: 103 min.
Partecipano Michele Böhm, Martino e Adel Oberto e Paolo W. Tamburella
h. 18.30 – ENIGMATICO STILNOVO
M.FRANCO/P.GIOLI/P.FERRUA/A-MAZZOLENI/M.DRAGO/P.D’AGOSTINO
Durata: 130 min.
Partecipano Pietro D’Agostino, Massimo Drago e Arcangelo Mazzoleni,
h. 21.00 – Retrospettiva  ANDREA FLAMINI
Durata: 90 min.
L’artista sarà presente alle proiezioni
h. 22.30 – Retrospettiva NATO FRASCÁ
Durata: 67 min.
Con la partecipazione di Franca D’Angelo

La mostra vuole documentare il rapporto tra musica e fumetto a partire dagli anni ‘50 del secolo scorso attraverso le copertine che contenevano i dischi, fino ad un’incursione nelle copertine dei cd dei nostri giorni.
In occasione dell’inaugurazione della mostra, alla presenza di Massimo Pistacchi, Direttore dell’Istituto Centrale per i Beni Sonori e Audiovisivi, le attrici Euridice Axel e Mia Benedetta leggeranno alcuni testi di canzoni italiane accompagnate dal musicista Filippo Rizzuto.

In mostra, tra le altre, copertine di LP di: Altan, Bonvi, Bruno Bozzetto, Paul Campani, Alfredo Chiappori, Mario Convertino, Guido Crepax, Pablo Echaurren, Giorgio Forattini, Paolo Garretto, Matteo Guarnaccia, Jacovitti, Tanino Liberatore, Emanuele Luzzati, Milo Manara, Riccardo Mannelli, Walter Molino, Andrea Pazienza, Tullio Pericoli, Ferruccio Piludu, Hugo Pratt, Gianni Ronco, Sergio Staino, Sergio Tofano, Vincino.

Artisti in mostra: Francesco Cervelli, Stefania Fabrizi, Roberto Falconieri, Marzia Gandini, Marina Haas, Piero Pizzi Cannella, Marco Verrelli

STANZA D’ARTISTA
Inaugurazione martedì 9 dicembre dalle 18 alle 22
9 dicembre 2008 - 18 gennaio 2009

Galleria Cortese & Lisanti Via Garigliano, 29 00198 Roma
Tel. 06 8559630 - Cel.393 9677822
Email info@corteselisanti.com
Web: www.corteselisanti.com
Orario di apertura: lunedì - sabato 10- 13 e 16.30-19.30

Si inaugura lunedì 8 dicembre alle ore 16:30, nel foyer dei Cantieri Teatrali Koreja di Lecce, la mostra “Supertele” di Michele Giangrande, secondo appuntamento del progetto PASSAGES arte architettura design curato da Marco Petroni  e promosso da Cantieri Koreja, Provincia di Lecce, Regione Puglia e Ministero per i Beni e le Attività Culturali con il sostegno di Nuovi Mecenati, Ambasciata di Francia, Scena Nomade.

Selezionato tra i finalisti del premio LUM, premio biennale riservato ai giovani talenti che operano in Italia e del premio TERNA concorso dedicato all’arte contemporanea, Michele Giangrande presenta in anteprima l’installazione Supertele,  otto palle di plastica ricoperte, con certosina dovizia, da un rivestimento di silicone. Una seconda pelle che azzera la funzione ludica inserendo questi oggetti in una zona di indecidibilità che si muove tra scultura e ironico feticismo. Giangrande innesca così uno slittamento di senso che priva l’oggetto della sua valenza funzionale e lo proietta in un universo artistico che pone l’osservatore davanti alla finitezza delle cose. Ambiguamente, l’artista apre il suo sguardo su oggetti utili e luoghi quotidiani presentandoli come simulacri simbolici che incorporano memorie di infanzia e di famiglia. È evidente il rimando alle bancarelle delle feste patronali e alle piazze dei paesi della nostra regione dove fanciulli gioiosi urlano inseguendo i colorati palloni Supertele. Un’installazione, quindi, che evoca lo spazio culturale della piazza come luogo di inizi e conclusioni, di partenze e ritorni, un luogo segnato dalla realtà della perdita.Il lavoro di Michele Giangrande si svolge nel solco di una nuova sensibilità plastica legata alla scoperta e verifica delle potenzialità espressive di materiali d’uso comune. Nato a Bari nel 1979, l’artista ha, infatti, elaborato un originale modus operandi, che consiste nel ricoprire gli oggetti quotidiani con un rivestimento realizzato nei più disparati materiali, come cerotti ed elastici, silicone ed erba sintetica o addirittura vere piume d’uccello così che acquistino con una nuova epidermide, una sorta di seconda pelle che ne altera non solo l’apparenza, ma anche il significato acquistando una nuova identità, frutto di un mutato rapporto tra l’originaria funzione d’uso e il nuovo rivestimento dermico.

La mostra sarà introdotta da una conversazione sul tema “Tra arte e design. Storia di due storie”. Partecipano Antonella Marino – critico d’arte Repubblica Bari, Marco Petroni – curatore e critico di architettura e design Repubblica Bari e l’artista Michele Giangrande.
Ingresso libero.

INFORMAZIONI
Koreja 0832.242000 – 240752
e-mail: info@teatrokoreja.com
www.teatrokoreja.com

Nel foyer saranno prossimamente in mostra opere di Paola Navone, Elena Rossella Lana,  Zimmerfrei,  e il Laboratorio d’architettura Semerano.

Il progetto Passages, a cura di Marco Petroni, racchiude sei differenti modalità di intervento che sfuggono a una definizione formale, generando un campo d’azione nel quale le discipline artistiche si confrontano, si scambiano suggestioni, metodi d’analisi e di comportamento. Transiti che vivono in presa diretta la complessità del loro farsi secondo stimoli provenienti dal mondo della moda, del design, dell’architettura, della musica, del teatro e del cinema.Estensioni dell’immaginario artistico che trovano spazio adatto nel foyer di un teatro, luogo dell’attraversamento, dell’attesa prima del rito, del consumo ostensivo.

PASSAGES – arte architettura design

Slittamenti, attraversamenti disciplinari segnano i linguaggi della contemporaneità. Viviamo un tempo frammentario e fragile, una condizione di oscenità radicale,  dove la conoscenza dipende dal vagabondare, dal rifiuto di rispettare i confini, da un impulso irrequieto verso i margini. Le esperienze artistiche richiedono nuove e più articolate strategie di interpretazione. Aprire lo sguardo su questo scenario in movimento rappresenta un modo di esplorare più a fondo la natura stratificata del nostro quotidiano, scoprire connessioni con il paesaggio politico, sociale ed economico. Si tratta di attivare pratiche utili per la lettura del presente. Seguendo assonanze e differenze  con i sentieri tracciati da Walter Benjamin, si propongono frammenti di pensiero, di lavori, soglie attraverso le quali cogliere i mutamenti e le contraddizioni del nostro tempo. Un confronto critico con la frantumazione del quotidiano che si alimenta nel desiderio di avere un ruolo attivo nella progettazione delle esperienze urbane.
Si propongono sei differenti modalità di intervento che sfuggono a una definizione formale, generando un campo d’azione nel quale le discipline artistiche si confrontano, si scambiano suggestioni, metodi d’analisi e di comportamento. Transiti dall’andamento instabile che vivono in presa diretta la complessità del loro farsi secondo stimoli provenienti dal mondo della moda, del design, dell’architettura, della musica, del teatro e del cinema.
Il lavoro di Antonio Annichiarico, dal titolo ripreso da uno scritto di un lavoratore precario, cela dietro la banalità desiderante del fashion una questione centrale dell’attuale sviluppo capitalistico, quella delle morti bianche. Michele Giangrande travolge il paradigma bauhausiano “la forma segue la funzione” sotterrandolo sotto una colata di silicone. Rossella Elena Lana si cala nel mondo dei transessuali riprendendo ogni soffio delle loro esistenze e sublimandolo in una sfera comunicazionale diretta, pop. Gli Zimmerfrei riportano il loro passaggio in Sardegna nel video Why we came. Le figure umane che popolano le immagini in movimento tentano di lasciare segni incisivi e ostinati, ma il paesaggio in incessante trasformazione ristabilisce la gerarchia di potere: il tempo passa, gli uomini lasciano il campo, la terra resta. Paola Navone propone una selezione dei suoi progetti “mediterranei” svelando un mondo pervaso da un’idea simbolica di nomadismo metropolitano dove la contaminazione tra culture e saperi è capace di creare oggetti carichi di poesia. Il Laboratorio d’architettura Semerano riporta il progetto in una dimensione interiore che si disfa, si dissolve nel tentativo di apparire, di farsi costruzione.
Estensioni dell’immaginario artistico che trovano spazio nel foyer di un teatro, luogo dell’attraversamento, dell’attesa prima del rito, del consumo ostensivo. L’arte si espande senza soluzione di continuità abbattendo frontiere e confini.  Passages è un segno caratteristico dell’esperienza urbana contemporanea che vive tutta nell’incontro con il molteplice sottolineandone miserie e virtù.

Marco Petroni

Passages
arte architettura design

Sabato 8 novembre ore 18.00
LA VITA NELLA VALLE
Antonio Annichiarico/Rifiuto Speciale
Ore 18:30 incontro
“Verso un osservatorio dei flussi creativi sul territorio”

Sabato 6 dicembre ore 18.00
SUPERTELE
Michele Giangrande

Giovedì 8 gennaio ore 18.00
TRANS
Elena Rossella Lana

Sabato 7 febbraio ore 18.00
WHY WE CAME
Zimmerfrei

Sabato 28 febbraio ore 18:00
SELEZIONI MEDITERRANEE
Paola Navone
Ore 18:30 incontro
“Tra artigianato e design: l’esperienza radical”
interviene Paola Navone coordina Marco Petroni

Sabato 4 aprile ore 18.00
INTERIEUR
Laboratorio di architettura Semerano

“Vita nella valle” di Antonio Annichiarico per Rifiuto Speciale riprende nel titolo e nell’impianto teorico lo scritto di un lavoratore precario. Il tema della precarietà viene rimesso in movimento attraverso il rapporto con la figura dell’angelo, figura archetipa di bellezza che nasconde però delle insidie. Il bello possiamo anche tollerarlo, finquando se ne sta quieto e disdegna di annientarci, ma la perfezione angelica non è per noi, ci terrorizza la forza di quelli che il poeta Rainer Maria Rilke chiama “uccelli quasi mortali dell’anima”.
Gli angeli per Annichiarico sono gli operai/lavoratori, morti che non invocano un aiuto quanto piuttosto testimoniano la lacerazione costante tra l’afflato al cielo  e la comprensione della tremenda e incolmabile distanza che ci separa da loro. L’opera proposta dall’artista è un tentativo di capire e di mostrare la genesi di un concetto di sacro nostro contemporaneo. Dalla corruzione dell’anima e del corpo, dalla violenza delle guerre, dall’insinuarsi nei cuori dell’invidia e della superbia nasce un’opera di estrema purezza che fissa in un’immagine il tremendo spirito del nostro tempo.

“Supertele” di Michele Giangrande è un’installazione inedita presentata in anteprima per il progetto Passages. Otto palle di plastica ricoperte, con certosina dovizia, da un rivestimento di silicone. Una seconda pelle che azzera la funzione ludica inserendo questi oggetti in una zona di indecidibilità che si muove tra scultura e ironico feticismo. Giangrande innesca così uno slittamento di senso che priva l’oggetto della sua valenza funzionale e lo proietta in un universo artistico che pone l’osservatore davanti alla finitezza delle cose. Ambiguamente, l’artista apre il suo sguardo su oggetti utili e luoghi quotidiani presentandoli come simulacri simbolici che incorporano memorie di infanzia e di famiglia. E’ evidente il rimando alle bancarelle delle feste patronali e alle piazze dei paesi della nostra regione dove fanciulli gioiosi urlano inseguendo i colorati palloni Supertele. Un’installazione, quindi, che evoca lo spazio culturale della piazza come luogo di inizi e conclusioni, di partenze e ritorni, un luogo segnato dalla realtà della perdita.

“Trans” è il risultato di un’esplorazione nel mondo dei transessuali realizzata da Rossella Elena Lana. Armata di macchina fotografica e videocamera, la giovane artista ha vissuto, con fresco coinvolgimento, la condizione quotidiana di un gruppo di transex. Ne è emerso un lavoro composito sviluppato su più media: un reportage fotografico, un video e un fotoromanzo a puntate. La struttura aperta del progetto invita lo spettatore a distaccarsi da una realtà intrisa di stereotipi e luoghi comuni per entrare, senza indugi moralistici, in una dimensione quasi mitica. Dove il mito vive tutto nell’atto di prosciugare la realtà da incrostazioni di pensiero. Attraverso questa azione catartica, l’artista ricostruisce la sua personale mitologia scegliendo cose, persone che non hanno storia, che non sono particolarmente radicate, che sono prive di ogni terreno di contestazione.
Trans appare come un laboratorio in movimento dove esplorare l’ampiezza dei significati umani contribuisce a produrre la molteplicità dell’esperienza urbana, una traccia sottile che attraversa tutti i linguaggi della contemporaneità.

Il video “Why we came” di Zimmerfrei è prodotto dal Man di Nuoro in collaborazione con la galleria Monitor di Roma . Si tratta di un lavoro site specific realizzato durante una residenza artistica in Sardegna.
“La contemplazione del paesaggio rende percepibile il tempo. La visione è a 360° e il passaggio da un punto cardinale all’altro è indipendente dagli accadimenti all’interno dell’immagine.La vastità dello spazio, i grandi cieli in movimento, la roccia, la sabbia e il vento ristabiliscono un rapporto “minerale” con la terra e con ciò che sovrasta l’umano. Le figure umane che appaiono tentano di lasciare segni incisivi e ostinati, ma il paesaggio in incessante trasformazione ristabilisce la gerarchia di potere: il tempo passa, gli uomini lasciano il campo, la terra resta”.

“Selezioni mediterranee”  è il titolo scelto da Paola Navone, architetto/designer di fama internazionale per presentare una raccolta  dei suoi progetti legati a ricerche attorno ai manufatti del bacino del Mediterraneo. Sviluppati con realtà produttive di tutto il mondo, gli oggetti dell’autrice del saggio “Architettura radicale” da sempre si legano a un’idea simbolica di nomadismo metropolitano. Lo confermano le scene realizzate per i Magazzini Criminali, gruppo dell’avanguardia teatrale italiana  che hanno dato l’avvio a una delle più significative e importanti esperienze creative del nostro tempo.
Quelli firmati dalla Navone sono oggetti in bilico tra design e artigianato, manufatti che incorporano competenze e sapienze manifatturiere capaci di caricare di nuovi valori il lavoro manuale. La contaminazione operativa tra culture e saperi diviene strategia culturale e produttiva aperta su forme, colori, ombre, luci che si combinano, si modificano per creare visioni mediterranee.

“Interieur” è una relazione con lo spazio del foyer operata dal Laboratorio di architettura Semerano. Un’operazione sperimentale che sintetizza l’idea di un intervento sul luogo mediato da un approccio artistico. Accantonata l’invenzione di forme, Interieur si pone come catalizzatore di forze, di tensioni. Leggere uno spazio significa prima di tutto riscoprirne l’essenza e le possibilità interpretative. Una modalità spontanea di rendere visibili relazioni solitamente sottaciute da pratiche costruttive che mirano a formalizzare e cristallizzare a discapito di componenti immateriali.
Queste forze diventano nella pratica del Laboratorio veri e propri materiali progettuali che, attraverso un travaso operativo, arricchiscono la pratica quotidiana dell’architettura. Una conferma, quindi, di come il confine tra arte e architettura si faccia sempre più labile e sfocato. Gli spazi della città diventano un nuovo campo d’azione nel quale i progettisti, gli artisti smettono di essere sporadici collaboratori e si trasformano in operatori indispensabili alla definizione delle esperienze urbane.

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Fabiola Cinque
Only4Few
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Per la prima volta, tutto ciò che Roma offre dai primi di dicembre fino alla Befana in termini di cultura, svago, divertimento, socialità, viene raccordato, coordinato e promosso sotto un’unica grande cornice istituzionale per sottolineare più adeguatamente il significato e l’intensità del Natale per la città di Roma e per una migliore fruizione della città eterna da parte dei romani e dei turisti in questo straordinario momento dell’anno.

ROMA CITTÀ NATALE, costituisce quindi un unico grande contenitore che raccoglie tutte le iniziative culturali, di intrattenimento e sociali, pubbliche e private, che si svolgono a Roma in occasione delle festività natalizie, analogamente a ciò che viene già fatto in altri periodi dell’anno, come quello estivo.
Il vasto palinsesto delle iniziative proposte comprende così sia il complesso delle attività che già spontaneamente si svolgono in questo periodo a Roma, sia le iniziative nuove appositamente realizzate e diffuse in tutta la città, dal centro alla periferia.

ROMA CITTÀ NATALE, è anche espressione del recupero di un senso più profondo e autentico del Natale, attraverso un’offerta culturale di assoluta qualità e caratterizzata dalla volontà di favorire un ritorno alle tradizioni.

Dall’8 dicembre 2008 al 6 gennaio 2009 ogni parte della città sarà animata da un grande fermento di iniziative: presepi, musica sacra nelle chiese, musica classica, canti tradizionali e gospel, rock, arte contemporanea, mostre, attività per bambini, i grandi eventi per i giovani, e poi il connubio tra arte, musica, lettura e poesia nelle Biblioteche e nelle Case della cultura.

Tra le numerose iniziative segnaliamo che il celebre soprano spagnolo Montserrat Caballé sarà protagonista il 22 dicembre dello straordinario concerto di Natale HAPPY CHRISTMAS FROM…ROME, nella Chiesa Santa Maria Madre del Redentore, a Tor Bella Monaca.
E per la notte di Capodanno sono in programma grandi concerti in piazza. Roma saluterà infatti il nuovo anno con i concerti di Baustelle e Gianna Nannini al COLOSSEO, mentre a CINECITTÀ si esibiranno la band Radici nel Cemento e Giuliano Palma & The Bluebeeters.

Dall’8 dicembre al 5 gennaio torna inoltre a Roma Toccata e fuga, la kermesse itinerante di teatro, musica danza promossa dall’Assessorato al Turismo del Comune di Roma in collaborazione con il Teatro dell’Opera.

Grazie alla collaborazione del Servizio Giardini del Comune di Roma, l’atmosfera del prossimo Natale romano sarà davvero suggestiva con i numerosi alberi di natale e addobbi natalizi che decoreranno il centro storico e le principali piazze delle periferie. Segnaliamo in particolare gli alti abeti ornati di decorazioni natalizie che saranno posizionati al Pincio, in Piazza Venezia e Piazza del Campidoglio, ed il suggestivo adornamento con stelle di Natale previsto per Piazza di Spagna.

Dal 15 dicembre parte inoltre l’iniziativa di solidarietà “Il Comune viene da te” promossa dal Comune di Roma e curato dal Delegato alle Pari opportunità e per lo Sviluppo dei rapporti con il mondo cattolico. Con appositi pulmini sarà effettuata sull’intero territorio comunale una raccolta di beni, vestiario e giocattoli, che durante le feste natalizie, per allietare il Natale delle persone più bisognose, saranno distribuiti a parrocchie, enti di assistenza, e case famiglia.

L’Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione in collaborazione con l’Assessorato alle Attività Produttive, del Commercio e del Litorale, insieme alla Confederazione Nazionale dell’Artigianato, la Confesercenti e la Confcommercio, ha deciso di organizzare un intenso calendario di attività di animazione, con artisti di strada, giocolieri e cori natalizi, che renderanno più calde e vivaci le strade dello shopping natalizio romano.
Inoltre, acquistando regali entro il 26 dicembre, sarà possibile ricevere un coupon che dà diritto a riduzioni sull’ingresso nei Musei e nelle Mostre Comunali dal 26 dicembre al 6 gennaio.

Nel periodo natalizio la proposta dei musei statali e comunali è vastissima, e sarà eccezionalmente accompagnata da aperture straordinarie e serali.

E per rendere davvero accessibile l’offerta natalizia a tutte le tasche, grazie alla ROMA PASS si potrà usufruire, con soli 20 euro, di un kit che comprende l’ingresso gratuito ai primi due musei e siti archeologici, i mezzi di trasporto pubblico gratuiti, l’ingresso ridotto per i successivi musei e siti visitati, per gli eventi di teatro, danza e tutti gli altri servizi turistici.

In occasione del Natale 2008, il Contact Center del Comune di Roma 060608 ha ampliato le sue funzioni. Oltre alle informazioni e alla possibilità di acquistare biglietti di musei, mostre, teatri ed eventi, da ora permette anche la prenotazione degli alberghi chiamando il numero telefonico o navigando sul sito web 060608.it.

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Ufficio Stampa Zètema Progetto Cultura
Patrizia Morici     +39 06.82077371 - +39 348.5486548
p.morici@zetema.it
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La pittura di Maddalena, che è di oggi, non condivide in alcun punto il versante sfacciato della modernità, non insegue le mode che via via si affacciano con ritmi sempre più sfrontatamente arbitrari, né sembra curarsi molto del mondo, non rincorre il successo, non si preoccupa di piacere, non è disposta a concedere al condizionamento dei conformismi; cerca se stessa, la propria naturalità, il proprio riscatto dall’inquietudine.

Maddalena è una creatura solitaria, appartata, attenta ad ascoltare in silenzioso isolamento la propria vita interiore: fatta di fisiologia dell’anima, del battito del proprio cuore, del ritmo del proprio respiro, del soffio caldo che risale dalle profondità dell’inconscio. Per tradurre questi ascolti in visioni colorate, in fantasmi di una erompente plasticità senza contorni.

Dipinge e disegna da sempre, da quando è stata in grado di tenere una matita o un pennello in mano. Ha poi scoperto che anche le parole potevano dar vita a quel momento visionario che preme con urgenza dentro di lei. Anche le parole, con la sottigliezza di ami e di sonde potevano penetrare nella zona segreta degli umori più intimi, dei sentimenti più inaccessibili e liberare immagini, visioni abbaglianti, presenze enigmatiche altrettanto vive e vitali di quelle sgorgate dal pennello o dalla matita. La pittura è infatti, a partire dalla sua maturità, la fase di una lenta ricerca di se stessa, di una incessante ricerca dell’altra metà di sé, quella sommersa e sconosciuta, proprio quella che Maddalena incalza ed insegue con accanimento e che intende svelare soprattutto a se stessa.

Nonostante l’indubbio talento, si potrebbe dire che ha trascurato la cosiddetta “carriera d’artista”. In  verità è la “carriera d’artista” - essendo oggi troppo spesso il solo prodotto di pubbliche relazioni - che ha trascurato Maddalena, perché Maddalena si è sempre occupata di altro: Maddalena pensa, ieri come oggi, a dipingere.

Ora, dopo anni di instancabile attività di pittura “introspettiva”, appena calmata la sua ansia di autocoscienza, le è possibile mostrare con questa selezione di opere su carta circa un decennio di lavoro. Questa esposizione ci rivela interamente, dagli anni ‘90 ad oggi il suo percorso: e ce lo rivela compatto, organicamente costruito con grande coerenza, seguendo una direttrice principale, un “espressionismo” del colore.

Il colore è protagonista nella pittura di Maddalena, che negli anni ha imparato ad impiegarlo con sempre maggior capacità, piegandolo ad esprimere tutto ciò che lei chiede alla pittura.

In queste opere su carta, che percorrono un decennio e oltre di lavoro, il tratto che risulta evidente, pur nei fisiologici mutamenti della visione, è la scelta fondamentale che l’artista ha compiuto ed alla quale rimane fedele nel tempo. L’artista ha scelto il colore come elemento costruttivo ed espressivo della propria visione.

Maddalena cerca la propria “natura”, di creatura “naturale”, e va trovandola attraverso un confronto interiorizzato con le libere, naturali forme delle cose. Appropriarsi della essenza e delle suggestioni degli oggetti, dei luoghi, delle persone, farle specchio della propria natura interiorizzandone i colori. È un colore ora aggressivo, urlato, con tonalità cupe ed acide, ora leggero, pacato, avvolgente come un’onda sonora. Si lascia impregnare di luce riverberando incandescenze, o alla luce si sottrae incupendosi in ombre notturne; ora si stempera in pennellate leggere per far traspirare l’aria.

Che il colore proprio per le sue intrinseche qualità fosse in grado, attraverso un’appropriata orchestrazione, di comunicare immediatamente con quella sfera che noi chiamiamo in modo confuso istinto, lo aveva scoperto e praticato in ogni declinazione un espressionista come Nolde. Maddalena assume questo codice espressivo utilizzandolo in modo congeniale alla sua personalissima visione.

In questa scelta intervengono anche forse tratti caratteriali propri di Maddalena, come persona. Ribelle ed insofferente ad ogni schema, regola o comportamento che non muova dalla ricerca dell’autentico, avverte un’attrazione istintiva verso questa via dell’espressionismo perché le consente di riaffermare il principio che la pittura deve obbedire ad un moto spontaneo, deve essere il mezzo più diretto per riattingere ad un mondo di purezza originaria, per esprimere la libertà degli impulsi e liberare da ogni costrizione o compressione l’autenticità dei sentimenti: purificare alla fiamma dei sentimenti la realtà vile del mondo sino ad esprimere l’anima delle cose, in sintonia con la propria. È il linguaggio che riesce a dare dell’oggetto l’immagine più profonda, l’immagine più primitiva, ormai lontana da quello che i nostri sguardi ciechi arrivano a percepire.

È un linguaggio che attraverso la ricerca di profondità ritrova il meraviglioso in un progressivo avvicinamento alla rivelazione.

Così Maddalena arriva a liberarsi delle proprie ossessioni od angosce, scaricando in una pittura visionaria i fantasmi dell’inquietudine; da quelle figure e volti, descrizioni non narrative di un altro esistere parallelo ed inquietante, che spesso abitano i suoi dipinti, giunge gradatamente alla visione incantata dei suoi più recenti paesaggi ed interni irreali, tormentati ed aggressivi, stati d’animo di pura visionarietà. Forse legati a memorie che via via si decantano, che via via si incanalano verso una direzione, sognante, di futuro e di attesa.
Roberto Savi

Mostra: “Maddalena Mauri, disegni e carte”

Luogo: Galleria di Palazzo Bellarmino, Montepulciano, Siena, Toscana
Inaugurazione: Domenica 7 Dicembre 2008, ore 16,00
Periodo: 7 Dicembre 2008 – 30 Gennaio 2009
Orario: Dal LUN. al SAB. 9,30 – 13,00 / 15,00 – 18,00; DOM. su appuntamento
Ingresso: Gratuito
Artista: Maddalena Mauri
Genere: Disegno, Pittura, Arte Contemporanea
Curatore: Roberto Savi
Catalogo: Thesan & Turan
Organizzazione: Thesan & Turan
Informazioni: Thesan & Turan, Tel. 0578717007, Fax. 0578717298
E-mail. info@thesaneturan.it
Website. www.thesaneturan.it; Roberto Savi, robertosavi@yahoo.it